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Atenas – Arte griego

Para los antiguos griegos, el concepto de arte abarcaba todas las formas de actividad creativa que contribuyeron a su desarrollo cultural. Los que tenemos la suerte de haber nacido en esta parte del mundo podemos ver el patrimonio artístico de Atenas a cada paso que damos. Dondequiera que miremos hay rastros visibles de arquitectura que ha sido copiada pero nunca superada. En museos de todo el mundo podemos ver extraordinarios ejemplos de escultura que han dibujado figuras llenas de vida, belleza y armonía a partir del frío mármol. Tal vez nada sea más un logro exclusivamente ateniense que la cerámica ática, que, en su búsqueda de la perfección creativa a través de la ornamentación vibrante, nos habla de la forma de vida de la gente, su culto a los dioses y sus alegrías y tristezas. La tierra ática siempre ha producido rica arcilla para el oficio de alfarero, ya sea para fines domésticos, religiosos u otros. Con este material, artistas atenienses -alfareros y pintores- tanto conocidos como anónimos, experimentaron, crearon y alcanzaron la inmortalidad.

Una de las primeras piezas de cerámica producidas en los talleres áticos es el famoso ánfora grande (1,75 m de altura) de la puerta Dipylon, ahora expuesta en el Museo Arqueológico. Se encontró en la necrópolis de Keramikos, adornando la tumba de un ciudadano distinguido del siglo VIII a. La escena que representa no deja dudas sobre su uso como lápida. Su forma es sencilla, sin ostentación; tiene una base estrecha y un cuello alargado, lo que indica un alfarero audaz que no temía un tamaño tan difícil de manejar. La decoración consta de sucesivas series de líneas rectas y de inquietos diseños en clave griega, mientras que en el centro se encuentra el cortejo fúnebre con el cuerpo colocado sobre un carro rodeado de familiares afligidos y dolientes profesionales tirándose de los cabellos; pajaritos llenan los espacios. La escena recuerda los cantos fúnebres cretenses y maniotas, expresiones atemporales del dolor de la muerte. Toda la obra -tanto el jarrón como su decoración- fue característica de la severidad de la época, donde los símbolos geométricos se acercaban a lo trascendental.

En ese mismo período, un tipo de cerámica completamente diferente comenzó a producirse en Corinto y en la vecina Sikyon, consistente en pequeñas vasijas redondas con cinturones de decoración ricamente pintados que representaban animales de países asiáticos. Grifos, esfinges y leones sugerían el comercio entre Corinto y los puertos de Oriente. Se producía cerámica del mismo tipo en Milos y Rodas, otros centros comerciales conocidos del antiguo Egeo. Sin embargo, fueron los corintios quienes usaron por primera vez la técnica de la figura negra de incidir el contorno de las formas en la superficie de la vasija y luego pintar estas formas de negro.

Al comienzo del período más productivo de Atenas, Solón y sus leyes trajeron muchos ceramistas capaces para producir obras para una clientela asegurada. Al mismo tiempo, los propios artesanos comenzaron a responder a las demandas artísticas creando nuevas formas y tamaños con el correspondiente desarrollo en la decoración. Las figuras rígidas e inflexibles de la urna funeraria geométrica adquirieron gradualmente elasticidad de movimiento. Los artistas se inspiraron inicialmente en las esculturas en relieve, derivando su tema de los temas inagotables de la mitología. Y mientras los pioneros corintios daban a su obra un aire oriental pintando sobre ella exóticas figuras decorativas, el arte ateniense se iba convirtiendo en narrativo. Sus figuras negras revelaron las pasiones de dioses y héroes, así como las ocupaciones de la gente común: su trabajo, ceremonias y debilidades. Al principio, las escenas evolucionaron horizontalmente, al igual que las vasijas corintias que fueron sus modelos, aunque las obras atenienses eran mucho más grandes. La decoración incisa dejaba traslucir el color natural de la arcilla, y sólo en las formas femeninas se pintaban de blanco los rostros y las partes descubiertas del cuerpo. Muy a menudo los artistas añadían los nombres de las figuras retratadas en escritura arcaica.

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A partir del siglo VI, los artesanos dejaron de ser anónimos para comenzar a firmar sus obras. La primera pieza de cerámica firmada que tenemos es de un hombre llamado Sophilos. Este fragmento de valor incalculable ha sido fechado en el 570 a. Fue este mismo artesano quien nos dejó una escena firmada de los juegos fúnebres celebrados en honor del asesinado Patroclo fuera de los muros de Troya, en la que los espectadores aparecen sentados sobre una doble plataforma con gradas: la primera tribuna que se ve en el Historia del teatro de gradas.

La edad de oro de los jarrones de figuras negras fue del 550 al 500 a. A este período pertenece el famoso jarrón de Francois, ahora exhibido en Florencia, en el que el alfarero Ergotimos y el pintor Kleitias firmaron con orgullo. Estos dos artistas lograron retratar 250 figuras animadas de personas y animales en cinco filas paralelas en un jarrón con una altura total de solo 66 cm. Este avance hizo que las ollas áticas fueran buscadas en todo el Mediterráneo y llevó a los colonos del sur de Italia y Sicilia a establecer sus propios talleres, de los que han dejado muchas muestras de su incomparable arte. Las vitrinas de los museos están repletas de jarrones que representan dioses, sátiros descarados, mortales borrachos y enamorados, pederastas de corazón duro y nobles caballos listos para tirar de los carros de los héroes.

Exekias, quizás el mejor pintor de cerámica de su tiempo, vivió alrededor del 530 a. Fue el primero que se atrevió a adornar el exterior de sus copas con dos enormes ojos de origen supersticioso. El ejemplo más espléndido de su arte es el kylix de Munich, cuyo interior muestra a Dionisio navegando despreocupado en su barco, tras haber transformado en delfines a los piratas que querían hacerle daño. Una vid exuberante brota del mástil y las uvas proyectan su sombra sobre la vela ondulante. Este viaje, sobre un fondo rojo de ensueño, fue el prefacio de una nueva forma de pintar cerámica, con figuras rojas.

Esta nueva técnica era exactamente opuesta a la anterior, ya que aquí se pintaba de negro toda la superficie de la vasija, salvo las figuras dibujadas anteriormente que conservaban el cálido color ladrillo del barro cocido. Los artistas ya no incidieron el diseño, sino que usaron pinceles, plasmando los detalles del vestido y el peinado elaborado con líneas seguras. Las mujeres ya no se presentan de blanco. Por el contrario, tanto las formas masculinas como las femeninas estaban frecuentemente cubiertas con un barniz rojizo que reflejaba algo del calor interno del cuerpo humano.

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Se considera que el inventor de la técnica de las figuras rojas es un hombre llamado Andokides, aunque él mismo solía decorar sus jarrones a la antigua usanza. El período de transición se puede ver en sus vasos llamados “bilingües” en los que se presentaba la misma escena con figuras rojas por un lado y negras por el otro. Se han encontrado copas con figuras negras en el interior y rojas en el exterior. Luego comenzaron a aparecer ciertas diferencias en los detalles de las características. Por ejemplo, en la cerámica negra, los hombres aparecían con ojos redondos, mientras que las mujeres siempre tenían ojos alargados; Sin embargo, en la técnica de figuras rojas, tanto hombres como mujeres tenían los mismos ojos almendrados con pestañas gruesas. Al mismo tiempo, los artistas se alejaron del inflexible relieve arcaico que mostraba las cosas de perfil. El estudio de los artistas de las esculturas de cuerpo entero era claramente visible en la representación de figuras que parecían estar frente al espectador. Mirando, por ejemplo, al niño de mármol de Kritias en el Museo de la Acrópolis y una figura juvenil en una pieza de cerámica, podemos detectar precisamente la misma postura orgullosa del cuerpo.

El creciente realismo de la escultura no pudo sino influir en la cerámica, de modo que la decoración pintada también comenzó a adquirir movimiento y vitalidad. Se presentaban escenas de la vida cotidiana, a veces al borde de la burla. Los pintores fueron implacables en su representación de los ancianos, mostrando todas las arrugas y la fealdad de la edad. Los sátiros deformes dieron a los artistas la oportunidad de mostrar su arte y provocar alegría al mismo tiempo. Hay una copa característica en Munich en la que el pintor Epileios muestra un sátiro extremadamente feo llamado Terpon (delicia), exclamando la frase “vino dulce” ante un odre lleno. En otros lugares, se dibujaban escenas explícitamente eróticas en las que las expresiones de los rostros se representaban tan gráficamente como el movimiento. A veces, las composiciones de múltiples figuras se presentan en diferentes niveles con fines narrativos. Las inscripciones aparecieron cada vez con menos frecuencia a medida que pasaba el tiempo y se desarrollaba el arte.

Un maravilloso ejemplo de un jarrón de figuras rojas del 500 a. C. es el Sosias kylix en Berlín. Representa un momento de la guerra de Troya en el que Aquiles atiende la herida de Patroclo. La escena se presenta vívidamente: por ejemplo, los detalles del cabello de los héroes se enfatizan con líneas diminutas y su armadura escamosa parece estar en relieve. Por primera vez, los ojos se dibujan de perfil, precisamente como los vemos en la realidad. Patroclo se muestra con la boca entreabierta, apretando los dientes por el dolor de la herida, que Aquiles ha vendado con un paño blanco. La mano izquierda de Aquiles y el pie derecho del herido, con sus dedos huesudos, demuestran una técnica soberbia.

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Las posibilidades que brindaba al artista la pintura de cerámica de figuras rojas suplantaron por completo la antigua técnica de figuras negras que había prevalecido exclusivamente en la decoración de la cerámica ateniense hasta el siglo IV. Las ánforas, como su nombre indica en griego, eran vasijas con dos asas para facilitar su transporte. En estas ánforas, los atenienses enviaban aceite, vino, nueces y legumbres por todo el mundo conocido. Con el establecimiento de las Panathenaia, se hizo costumbre dar ánforas llenas de aceite de los olivos sagrados de la diosa Atenea a los ganadores de los concursos. La altura de estas vasijas era de unos 70 cm y su forma era más o menos redonda, siempre con una pequeña base circular y un tapón de arcilla para proteger el contenido. A menudo, el cuello del jarrón estaba decorado con anthemia. En las ánforas de las Panateneas siempre había una presentación de Atenea en armas por un lado y la contienda en la que el vencedor se había distinguido por el otro.

Sobre la evolución de la pintura como tal, no tenemos otro conocimiento que los escritos que nos han llegado. De ellos derivamos descripciones de las obras de Apellis y Polygnotos, pero muy poco más. Es por eso que la pintura de cerámica es tan valiosa. La llamada Orden Rica del arte del siglo V, con su lujosa vestimenta, colores y joyas doradas, es altamente indicativa de una sociedad acomodada. Los lécitos áticos son igualmente elocuentes.

El lécito blanco fue otro tipo de cerámica en la Polis, pero con un uso limitado. Tales vasijas solían contener aceites aromáticos para la preparación de los muertos. Después del cortejo fúnebre y la cremación, se colocaban en la tumba o en los escalones del monumento funerario. Toda la superficie de este recipiente especial estaba recubierta de un color blanquecino sobre el que se dibujaban figuras libremente. Por lo general, se representaba al difunto recibiendo regalos funerarios de sus seres queridos o alguna otra escena relacionada con la muerte. El fondo blanco de estos jarrones fomentaba el uso de colores en las figuras y especialmente en la vestimenta. El cabello oscuro o rubio se podía representar magníficamente, al igual que las expresiones en los rostros de aquellos en duelo, que mostraban a los mortales aceptando la voluntad de los dioses todopoderosos con noble tristeza. Las representaciones en los lekythoi blancos del ático fueron las precursoras de las soberbias pinturas murales de las tumbas macedonias que la tierra del norte helénico sólo ahora está abandonando gradualmente.

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